És Conseqüència' s 15è aniversari , i durant tot el setembre publicarem una sèrie de peces retrospectives que abasten la història de la nostra publicació i el panorama de l'entreteniment en general. Avui, comencem amb la nostra llista nova i millorada dels 100 millors àlbums de tots els temps.
Déu meu, hem tornat de nou. Fa més d'una dècada des que vam intentar per primera vegada resumir tota la història de la música popular en els 100 àlbums més grans de tots els temps. Oblideu-vos de com han canviat les opinions durant aquests 12 anys, tot cultura ha canviat. Fins i tot les persones que participen en aquest exercici són diferents, ja que només dos membres del personal que formaven part de la llista d'OG, publicada el 2010, queden amb Conseqüència avui.
És comprensible que aquesta vegada les coses seran diferents. Els gustos s'han remodelat, els gèneres han nascut i s'han desaparegut, i la manera com repartim importància a través de la història s'ha vist alterada per la naturalesa mateixa del present. Tots aquests factors a l'hora de crear un gegant com aquest, el que significa registres que no es van tenir en compte, o fins i tot alliberat — L'última vegada que vam emprendre aquest repte ara tenen una posició destacada. Al seu torn, altres grans obres s'han desmuntat, baixat o pujant.
Tanmateix, una cosa segueix igual: estareu en desacord amb el que hem fet aquí. Us preguntareu com l'àlbum X no ha merescut esment, o per què l'àlbum Y és més alt que l'àlbum Z. O on diables és l'artista W?! Ni tan sols discutirem amb tu. Creieu-nos, això també ens ho vam preguntar, vam parlar d'ells i vam prendre decisions difícils, sovint en contra de les conviccions personals.
Ara, potser això no t'impressiona gaire. Potser vostè, estimat lector, creu que hi ha un rànquing definitiu, etern i irrefutable de registres que es podrien treure de l'èter amb la metodologia adequada. Qui sap, potser tens raó. Aquesta no és aquesta llista.
Aquesta és una llista compilada a través d'hores de debat, frustració, rialles, aquiescència i epifania. Es tracta d'un que avaluava el valor mercurial atribuït a l'art, des de les percepcions en el moment de la creació, fins a la consideració retrospectiva, fins a l'impacte en les modes en constant evolució. També és aquell que va permetre que l'alegria fos un factor de grandesa.
Així que, endavant, llança les teves crítiques. Expliqueu els vostres sentiments sobre com es van deixar els vostres artistes preferits o com ens vam saltar aquest icònic LP. Ho donem la benvinguda! I quan la pols s'instal·la, el personal de Conseqüència estaran orgullosos de la nostra llista dels 100 millors àlbums de tots els temps. Fins la propera vegada.
— Ben Kaye
Editorial Director
Ed. nota: seleccioneu les notes de la llista original sempre que s'incloguin aquí, s'indiquen amb (2010).
Excava l'obra d'art d'aquesta llista 'https://shop.consequence.net/products/100-greatest-albums-of-all-time-poster' rel='noopener'>aquí , i una versió emmarcada aquí .
100. L'addicció de Jane - Res és impactant
Amb els anys 1988 Res és impactant , Jane's Addiction va ajudar a establir les bases del que finalment es convertiria en la revolució del rock alternatiu dels anys 90. A parts iguals pesades i eteri, és adequat que l'àlbum contingui títols de cançons com Up the Beach i Ocean Size, ja que les cançons sonen com les onades que s'estavellaven al mar. La veu celestial de Perry Farrell, juntament amb el joc dinàmic del guitarrista Dave Navarro, el baixista Eric Avery i el bateria Stephen Perkins, fa que Res és impactant un àlbum realment únic.
Combinant el poder de Led Zeppelin amb l'art-rock de The Velvet Underground en temes com l'explosiva Mountain Song amb la seva magnífica línia de baix, o l'acústica Jane's Says amb les seves lletres desgarradores, Res és impactant representa un moment decisiu en el que aviat seria un canvi sísmic en la música rock. — Spencer Kaufman
99. Moc Washington – Cel i Terra
El 2015, el saxofonista Kamasi Washington va anunciar la seva arribada al públic principal al programa de Kendrick Lamar. Per proxeneta una papallona . Només uns mesos més tard, va consolidar el seu lloc al capdavant de l'avantguarda del jazz amb el seu debut igualment expansiu en segells majors, L'èpica , desenvolupat en gran part amb els seus compatriotes al col·lectiu de jazz Get Down de la costa oest de Los Angeles. Però va ser el seguiment, el 2018 Cel i Terra , que reflecteix amb més precisió les altures que pot assolir des del seu espai de cap ascendit.
Cel i Terra evoca la gran escala del seu títol amb una visió global del passat, present i futur d'aquest món i més enllà. Si Washington està ressuscitant el passat amb la seva visió dels Hub-Tones de Freddie Hubbard, renovant el tema de la pel·lícula de Bruce Lee Punys de Fúria amb un context modern, o empenyent el jazz en una direcció completament nova a la jam de groove fosc Street Fighter Mas, està constantment en conversa amb un poder superior, la divinitat només varia des del Totpoderós fins al seu grup d'amics músics.
Pel que fa a la presència creixent de l'espiritualitat en la seva música, Conseqüència Revisió de la nota A va afirmar que si més esglésies toquessin cançons com 'Journey' i 'Will You Sing' els diumenges, aquests santuaris només podrien estar dempeus. — Bryan Kress
98. Lucinda Williams – Rodes de cotxe en un camí de grava
No hi ha hagut escassetat d'imitadors de Lucinda Williams al llarg dels anys: artistes que esperen treure fins i tot una unça de la seva valentia, gràcia i coratge i fer-los seus. Però només hi ha una Lucinda Williams i la seva obra mestra guanyadora d'un Grammy el 1998 Rodes de cotxe en un camí de grava , ella demostra per què és un talent inigualable.
El nadiu de Lake Charles, Louisiana, té una discografia extensa, que va començar el 1979 amb Ramblin' on My Mind i més recentment amb l'acerbic Bones ànimes, millors àngels, la qual cosa fa que seleccionar només un dels seus àlbums com el millor sigui una tasca tonta. Malgrat això, Rodes de cotxe en un camí de grava destaca com un segell distintiu de l'americana dura, un remolí del sud de country, blues, folk i rock 'n' roll.
És un disc carregat de riffs amb una llista de lletres fetes a mida per tatuar-se al cos, que es duplica com un full de ruta cap a l'ànima d'una nació complicada. A través de 13 cançons, des del sexy 2 Kool 2 Be 4-Gotten fins al petó amb els dits mitjans amunt de Joy, aprens algunes coses sobre el narrador central del disc, però hi ha una lliçó que destaca en particular: no No et fotis amb Lucinda Williams. Si Williams és el poeta premiat d'Americans, Rodes de cotxe en un camí de grava és una marca d'aigua alta de la forma. — Spencer Dukoff
97. Fugazi – Repetidor
Mentre Repetidor es considera el debut de llarga durada de Fugazi, va tenir la descoberta tasca de seguir els llegendaris dos primers EP de la banda (compilats com a 13 cançons ). Amb Repetidor , però, la banda de D.C. no només va aixecar el seu propi llistó, sinó que va fer volar tot el gènere punk hardcore.
Amb un cop d'ull a la precisió dels post-punkers Gang of Four, Repetidor és una prova d'una banda tocant sense restriccions. Fugazi mai no va haver de respondre als vestits quan es tractava de la música que van gravar, gràcies a que tota la seva discografia es va publicar a través de Dischord Records del cantant i guitarrista Ian MacKaye. La seva química és òbvia, amb MacKaye i Guy Picciotto intercanviant veus sobre acords dissonants, i el baixista Joe Lally i el bateria Brendan Canty proporcionen una columna vertebral constant. Aquests fets junts afirmen que l'èxit comercial de Repetidor és un subproducte dels mateixos artistes, no el pla d'aprofitament d'efectiu d'un segell.
Amb himnes potents com Turnover i Blueprint, així com retalls destacats com la cançó del títol i Sieve-Fisted Find, Repetidor és un treball seminal de la banda de bricolatge definitiva. — S.K.
96. N.W.A. – Directe de Compton
Encara que deuen a Schoolly D i al Park Side Killas algun crèdit per ser pioners en el gangsta rap, N.W.A. podem dir amb orgull que van portar aquest estil de hip-hop ultraviolent i enganxós al corrent principal. Publicat el 1988, Directe de Compton presentava els que finalment es convertirien en alguns dels noms més importants del gènere: Ice Cube, Eazy-E, Dr. Dre i MC Ren, que explicaven històries de vida en un dels barris més durs de LA amb ritmes minimalistes i rascades proporcionades per DJ Yella i Arabian Prince.
Corts com Fuck Tha Police i la cançó del títol van arribar a personificar el so de la costa oest i van obrir un camí que va portar a que la música rap s'infiltrés a totes les llars dels Estats Units. Fins i tot si eres dels racons més tranquils dels suburbis, t'has tensat, vas tancar els punys i vas fingir que estaves preparat per a una baralla quan vas escoltar que Ice Cube obre el disc declarant: 'Quan m'han cancel·lat/ tinc un serrat/ Premeu el gallet/ I els cossos són arrossegats. N.W.A. et feia sentir dur, tot i que encara havies de baixar el volum quan la teva mare era a casa. — Dos raigs (2010)
95. System of a Down – Toxicitat
Després de fer-se un nom amb el seu debut homònim, System of a Down va assolir noves altures amb el seu segon àlbum, el 2001. Toxicitat . Melòdic, caòtic i francament hipnòtic, l'àlbum va ampliar els límits de la música pesada. El frenètic Chop Suey! es va convertir en un dels èxits més estranys de tots els temps a la ràdio rock (fins i tot amb Clear Channel que l'eliminava temporalment de les ones després dels atacs de l'11 de setembre), mentre que cançons com la cançó principal aclaparadora i les inquietants Aerials també van servir per impulsar l'àlbum a múltiples -estatus de platí.
Sonant com cap altra banda abans d'ells, la veu operística de Serj Tankian s'eleva sobre les complexes composicions musicals de Daron Malakian, amb Shavo Odadjian i John Dolmayan formant una secció rítmica implacable. Tot dit, Toxicitat s'erigeix com una de les millors obres de música pesada del segle XXI, si no de tots els temps. — S.K.
94. Wilco – Yankee Hotel Foxtrot
Hi ha un univers alternatiu on Wilco mai s'allibera Yankee Hotel Foxtrot , un àlbum que no només asseguraria el lloc de la banda a la història del rock, sinó que alteraria fonamentalment el panorama de la indústria musical al tombant del nou mil·lenni. Sí, aquest disc està ple de mitologia i història de fons, millor encapsulat a Sam Jones Estic intentant trencar-te el cor , que resulta ser un dels millors documentals musicals de tots els temps.
Però YHF perdura com un clàssic més de 20 anys després menys per aquesta tradició i més perquè és una col·lecció de cançons que és tan forta. Jeff Tweedy canalitza tota la seva ansietat i autoconsciència en cançons com Ashes of American Flags i I Am Trying to Break Your Heart, complementant aquestes cançons més pesades amb la càlida nostàlgia de Heavy Metal Drummer i el romanç d'amor a la màniga de Reservations. que presenta una lletra devastadorament directa: tinc reserves sobre tantes coses, però no sobre tu.
El geni de Yankee Hotel Foxtrot és la decisió d'afegir capes de retroalimentació i enregistraments de camp i soroll i distorsió a sobre de les cançons de folk i country i indie rock de Tweedy, inclinant-se cap a l'experimental fins a tal punt que el disc va enviar el segell d'alt-country que havia perseguit la banda des de llavors. la seva fundació. De principi a fi, Yankee Hotel Foxtrot hipnotitza i enganya, i d'alguna manera aconsegueix sonar com l'enamorament i la fi del món. És intocable. — SD.
93. TLC – CrazySexyCool
Amb el nou swing de Jack que va caure en desgracia a mitjans dels anys 90 i la Lisa Left-Eye Lopez enfrontant-se a lluites personals que la van mantenir allunyada del grup durant períodes llargs, TLC va trobar maneres de madurar el seu so al seu segon àlbum. Reunint-se amb Babyface, Jermain Dupri i Dallas Austin mentre afegeixen contribucions de Sean Puffy Combs, Organized Noize i Chucky Thompson, van augmentar les vibracions del hip-hop i el soul fins a la perfecció R&B. CrazySexyCool .
Al mateix temps, van ajudar a estimular un moviment de positivitat sexual que encara evoluciona avui en dia abordant el romanç des de nombrosos angles: la cita de Creep, la dolçor de Diggin' on You, el XXX de Red Light Special. Entremig, van oferir un dels contes d'advertència més duradors de tots els temps a Cascades. CrazySexyCool era el Àlbum de R&B de la dècada. Avui, és un testimoni de la confiança de la dona, una declaració segellada als llibres de registres com l'àlbum més venut d'un grup de noies nord-americans i el primer a aconseguir l'estatus de diamant. — B. Kaye
92. Els reemplaçaments – Deixa que sigui
Qui hauria pensat que quatre vint-i-uns de Minneapolis podrien produir quelcom tan atemporal, tan vital i tan viu?https://consequence.net/2014/10/let-it-be-turns-30-celebrating-the-replacements-best-album/' > Deixa que sigui , ningú ho va fer. Tot i que en aquell moment tots els ulls estaven posats en Prince, Paul Westerberg, Tommy Stinson, Chris Mars i Bob Stinson estaven creant rock and roll pur i sense adulterar. Amb el cor a la màniga, Westerberg va abocar el seu amor, la seva pèrdua i les seves inhibicions a totes i cadascuna de les lletres, notes, acords i gemecs.
A Androgynous, el primer cop del piano et colpeja els nervis, tirant-te dels ulls, i quan Westerberg canta, Future outcasts, they don't last, tu ets al seu costat, al bar polsegós, a la tarda. hores de la nit de la setmana, i sense ningú a qui aguantar més que la música. Això és tot el que els Replacements havien d'estar aquí, ho fan en cada nota, en 11 cançons i durant 33 minuts i 31 segons. No és un àlbum, és un salvavides. — Michael Roffman (2010)
91. El Qui - Qui és el següent 
De tots els àlbums mítics d'aquesta llista, dubto que molts d'ells tinguessin el seu origen com una òpera rock abandonada. Molts arranjaments i retalls de Pete Townshend abandonats Lifehouse projecte es va convertir en la base Qui és el següent , un àlbum que no té cap tema o història subjacent. Aquesta sensació de llibertat va permetre a The Who centrar-se a fer grans cançons individuals en lloc d'una història global.
El resultat és The Who creixent en públic. Les cançons combinen l'energia contundent de la banda en la seva joventut amb els elements més experimentals explorats Tommy . La millora més notable és la veu de Roger Daltrey, assolint cotes que només s'insinuaven en el passat. El solo de bateria de Keith Moon seguit del crit de Daltrey al final de Won't Get Fooled Again segueix sent un dels millors moments del rock.
Tot i que tothom sap sobre els senzills, des del teclat d'obertura de Baba O'Riley fins a l'acústica de l'edifici de Behind Blue Eyes, cada cançó d'aquest disc és un èxit potencial. Escolta el cor explosiu de Bargain. Fes una ullada a una rara veu principal del baixista John Entwistle a My Wife. Amb pistes com aquestes, és fàcil veure per què Qui és el següent va traslladar The Who d'una gran banda dels anys 60 a una superpotència del rock als anys 70. — Joe Marvilli (2010)
90. Alanis Morissette – Petita pastilla dentada
Els primers segons del primer disc d'Alanis Morissette presenten una barreja de guitarra elèctrica i harmònica, senyalant des del principi que una nova veu en el rock alternatiu tenia alguna cosa a dir. I tota una generació escoltava: si eres jove, dona i viu als anys noranta, hi ha una gran probabilitat que no només fos propietari d'aquest àlbum, sinó que l'haguessis memoritzat des del principi fins al final, ja que la veu increïble de Morisette i l'estrella de Glen Ballard. el treball de producció es combinen per cridar sobre la ira i la confusió que comporta estar viu.
Dècades abans que Taylor Swift s'enfadés líricament amb Jake Gyllenhaal per una bufanda, Alanis estava recordant a la seva ex l'embolic que va deixar quan se'n va anar, però Petita pastilla dentada no es tracta només de ràbia: Hand in My Pocket en realitat ofereix un missatge una mica optimista de que, literalment, tot anirà bé, i tot i que Irònic, irònicament, no va fer servir la paraula correctament, encara va aconseguir parlar d'escenaris desoladors en un pou, de tots. estat allà.
És un àlbum ple d'emocions difícils de descomprimir i que va ajudar almenys a una adolescent, que l'escoltava repetidament, a sentir-se una mica menys sola. — Liz Shannon Miller
89. Dia Verd - Dookie
Green Day va entrar al corrent principal amb Dookie , perfectament a punt per arribar calent als talons vestits de Doc Martens de l'escena grunge. La banda amb seu a Califòrnia liderada per Billie Joe Armstrong i completada pel baixista Mike Dirnt i el bateria Tre Cool va trobar l'èxit fusionant la naturalesa antiestablishment de les seves arrels punk rock amb una aparença grunge, recolzada per melodies pop enganxoses i ganxos. Explorant tot, des dels atacs de pànic fins a la masturbació i la bisexualitat, la lletra va impactar amb els fans de totes les edats i va posicionar Green Day com la banda de punk moderna per a les masses.
Llançat el 1994, el tercer i més venut àlbum de la banda va tenir èxit comercial, arribant al número 2 de la llista Billboard 200 i obtenint un Grammy al millor àlbum de música alternativa. La banda va ser acusada d'esgotar-se pels seguidors anteriors de l'escena punk underground, però Dookie va trobar una manera de revigorar l'interès per les llegendes punk originals servint com a disc d'entrada i donant veu a adolescents rebels que en realitat no tenien gaire a què rebel·lar-se a mitjan dècada de 1990 relativament plàcida. — Kelly Quintanilla (2010)
88. Alice Coltrane – Viatge a Satchidananda
Per molt que ho intenti, és gairebé impossible parlar d'Alice Coltrane sense parlar del seu difunt marit. Tot i que John Coltrane va tenir una influència innegable sobre ella i la seva obra, ja era una artista consumada molt abans que es coneguessin i s'enamoressin. Com va dir una vegada Coltrane, John no només em va ensenyar a explorar, sinó a jugar a fons i completament.
Tot i que no és el primer àlbum que Coltrane va publicar com a artista en solitari després de la mort del seu marit, Viatge a Satchidananda és sens dubte la seva més venerada. És una obra informada per l'espiritualitat que se sent alhora eteri i cru, que et porta a través de la suau majestuositat poètica dels núvols a través de l'arpa i el piano de Coltrane, i la grana fina de la terra a través del saxo soprano de Pharoah Sanders.
Alguns elements, com el tanpura zumbador i l'arpa cristal·lina de Coltrane a la cançó del títol inicial, destaquen de manera destacada. Altres, com la bateria de Rashied Ali i el baix de Cecil McBee, són més subtils. Coltrane no va ser, de cap manera, la primera artista de jazz occidental a introduir sons orientals al seu plec, però aquestes peces mai se senten com si cridessin l'atenció sobre els seus contrastos. Com amb totes les obres de conjunt realitzades, cada part brilla de manera individual i cohesionada.
Només escolteu la interacció conversacional entre el piano i el baix a Stopover Bombay o com el rasgueig frenètic de l'oud de Vishnu Wood es barreja amb el saxo còsmic de Sanders a Isis i Osiris en directe. Totes les peces encaixen, però gran part de la seva grandesa rau en com es neguen a congelar-se, amb Coltrane i els seus col·laboradors abraçant la generositat mantenint l'autonomia. Viatge a Satchidananda és un àlbum d'un altre món que mai sembla que estigui massa lluny del nostre regne. — Sóc Kenny
87. Assassí – Regne en sang
Mentre que altres bandes de thrash metal dels anys 80 van començar a expandir el seu so amb flors tècniques i progressives, Slayer va intentar destil·lar-lo a la seva essència. Publicat el 1986, Regne en sang era magre i dolent: només dues de les seves 10 cançons trenquen la marca dels tres minuts, una prova de la precisió i la velocitat amb què es van tocar.
Amb el productor i metalúrgic dedicat Rick Rubin darrere dels taulers, el so una mica fràgil del treball de la banda de principis dels anys 80 va desaparèixer, presentant la doble puntada del baterista Dave Lombardo i l'atac de guitarra bessona de Jeff Hanneman i Kerry King en alta fidelitat pura. (sense les reverbs i efectes que daten molts àlbums de metall de l'època).
Des del crit penetrant de Tom Araya que engega Angel of Death fins a les últimes gotes de Raining Blood, Slayer manté un ritme implacable que es converteix en un borrós de malson. Els temes sinistres, com les reflexions líriques de l'antiga cançó sobre el metge nazi Josef Mengele i altres temes sanguinaris, només s'afegeixen a l'atmosfera de maldat que emana de Regne en sang un cop cau l'agulla.
Els riffs àtons característics de Hanneman engendran els solos de guitarra espàstics i improvisats de Kerry King, evocant una sensació de caos i morbiditat. Un crèdit a la producció crua de Rubin, l'àlbum sona d'una intensitat brutal fins al dia d'avui, sense alteracions del temps: un artefacte sagrat de metall extrem en la seva forma més antiga. — Per Jon Hadus
86. Pearl Jam - Deu
Etiquetat pel padrí del grunge Kurt Cobain com un esforç de venda comercial, Deu va acabar sent la plataforma de llançament del rock alternatiu dels anys 90. Sorgit de les cendres de la tràgicament efímera Mother Love Bone, el guitarrista Stone Gossard i el baixista Jeff Ament van afegir textures de rock clàssic al so de Seattle amb l'ajuda del guitarrista Mike McCready (i un grapat de bateria temporals, inclòs Matt Cameron). Els seus cinc pistes Stone Gossard Demos '91 finalment es convertiria en Deu – només necessitaven algú que donés veu a les seves composicions.
Entra Eddie Vedder. Els grunyits i udols emotius del líder (Why Go, Black) i el lirisme sincerament desgarrador (Jeremy, Release) reflecteixen la ferocitat de la música, multiplicant-ne el poder. La combinació d'aquesta presència vocal clarament apassionada amb els riffs enganxosos i els solos alts de la composició de cançons de Gossard i Ament va establir un nou estàndard pel que va significar el rock en la nova dècada. Tenia tota l'angoixa i la foscor per les quals era conegut el grunge, tant en les seves lletres com en el seu so pesat, però amb una expansivitat preparada per a l'estadi i un vocalista destinat a l'estatus d'icona.
Els mateixos Pearl Jam poques vegades han igualat la intensitat del seu debut, i molt menys la majoria del rock en les tres dècades posteriors. — B. Kaye
85. Tupac – Tots els ulls en mi
Des del comentari social del encara rellevant Brenda's Got a Baby fins a la ràbia desenfrenada de Hit 'Em Up i tot el que hi ha entremig, l'abast de Tupac com a raper segueix sent inigualable. Mentre anava a l'estudi Tots els ulls en mi , però, Pac va desfermar totes les seves frustracions acumulades per crear un personatge de gangsta rap més gran que la vida després de ser alliberat de Rikers Island pel seu nou cap de Death Row, Suge Knight.
Ningú anava a representar la costa oest amb més força que ell, com ho demostren l'agressió no adulterada d'Ambitionz Az a Ridah i les col·laboracions amb els companys de discogràfic Dr. Dre (California Love) i Snoop Dogg (2 d'Amerikaz Most Wanted). Tanmateix, l'àlbum doble també va oferir a Pac ampli espai per a èxits de clubs com How Do U Want It i la introspecció de I Ain't Mad at Cha, sense oblidar els aparadors per al seu grup The Outlawz com Thug Passion.
La producció de Dre, DJ Pooh, DJ Quik i Johnny J completa Tots els ulls en mi oferint finalment a Pac una banda sonora que podria igualar plenament el seu talent. Tot i que l'oda de 27 cançons i 133 minuts a l'estil de vida gangsta no està exempta de berrugues, la passió ardent de Pac eleva l'àlbum a un altre nivell. Una obra mestra no ha de ser perfecta per resistir la prova del temps, i Tots els ulls en mi ha fet exactament això. — Eddie Fu
84. Destrossant carabasses - Mellon Collie i la tristesa infinita
Amb el degut respecte a 1979, que traspua una pols d'estrelles nostàlgica sentida profundament per bona part de la Generació X, potser és la dotzena millor cançó de Mellon Collie i la tristesa infinita . Firmament en el motlle de La paret o el White Album (hola, Farewell and Goodnight), el tercer àlbum dels Smashing Pumpkins va representar el seu indiscutible apogeu davant un droga – i induït per l'ego extinció (encara que Adorar i Maquina tenen els seus apologistes).
L'objectiu dels Pumpkins durant tot el temps havia estat la representació del conjunt de la feminitat i la masculinitat, d'una capritxosa capritxosa fins a una brutalitat agresta, i molt semblant al famós doble àlbum dels Beatles, Mellon Collie conté pràcticament tot l'espectre de l'experiència humana en les seves 28 pistes. Fins i tot l'infamement apagat treball de masterització no pot sufocar la seva bellesa: ha sonat un altre àlbum més tranquil com més puges el volum'https://www.imdb.com/title/tt0701127/'>Homerpalooza, els cops aguanten més que: tots recordem la primera vegada que vam sentir això crit a Bullet with Butterfly Wings.
El millor de tot 
Chrissie Hynde, una expatriada nord-americana que viu a Londres, havia estat intentant trobar el seu lloc, tant a la indústria musical com al món. Però demostracions impressionants la van portar a posicionar-se com una estrella en desenvolupament. Només quatre dies abans que els anys 70 acabessin definitivament, Hynde and the Pretenders van llançar el seu debut homònim. A banda de la programació curiosa, va ser un àlbum massa impressionant per perdre's en la barreja posterior a les vacances. I, efectivament, la banda va preparar clubs poc després.
Perfil de Hynde and co. per Roca que roda el 1980, va descriure Kurt Loder Pretendents com subtilment sorprenent. Això és apte per a un àlbum que sembla portar els adorns del punk (il·lustracions senzilles de l'àlbum, riffs difusos) però aviat revela quantes coses més tenen, tant artísticament com emocionalment. Fins i tot en un camp ple de gent, hi ha alguna cosa sobre les primeres barres de l'obertura Precious que ens diu que hi ha alguna cosa especial.
Tot i que aquests riffs i farcits es podrien replicar amb prou pràctica, no hi ha cap còpia de Hynde i la sensació que transmet. Expressant triomf, ràbia, tendresa, por i molt més, Hynde et posa dins del seu cap, recordant records dolorosos i detallant narracions increïbles com si hagués fet un audiollibre ad hoc. Potser coneixeu millor Brass in Pocket, però Pretendents és, de principi a fi, una autèntica obra mestra. — M.K.
82. Peter Gabriel – Tan
Els dos llançaments de Peter Gabriel abans Tan , tots dos anomenats Peter Gabriel , van ser àlbums de rock progressiu emblemàtics. En aquests esforços, Gabriel va utilitzar el darrer maquinari de gravació per compondre amb sons mostrejats, així com música i ritmes de cultures que mai abans s'havien integrat a la música occidental. Gabriel estava obrir un camí nou impressionant, i amb Tan , va portar els seus descobriments sonors al corrent principal.
Tan és un àlbum pop emblemàtic que aclapara els oients amb cançons emotives i rítmiques extretes del cor de l'esperit humà. Per exemple, la cançó número 1 per tocar fora de la finestra d'algú, In Your Eyes: la veu i les lletres de Gabriel són crues i apassionades amb imatges senzilles però aclaparadorament poderoses. Els ritmes africans mantenen la cançó viva i allunyada del camí sabut que passen tantes cançons d'amor, i la veu altíssima del cantant senegalès Youssou N'Dour transcendeix el llenguatge amb pura celebració.
Aquest tema de la comunicació humana emocional, que trenca els límits, impregna totes les obres de Gabriel, però és més fort en Tan , on segueix tocant més gent. Quan Gabriel crida, només l'amor pot fer l'amor a That Voice Again, fins i tot l'oient més cínic no pot evitar sentir una mica de veritat.
Pistes com Red Rain, Mercy Street i Don't Give Up (un duet amb Kate Bush) operen a l'extrem oposat de l'espectre, discutint la vulnerabilitat, la debilitat i l'oportunitat de continuar. Tan fins i tot té cabuda un parell de temes avantguardistes com el desconcertant We Do What We’re Told (Milgram's 37) i el moody This is the Picture (Excellent Birds), que va ser escrit i interpretat amb Laurie Anderson.
I, per descomptat, tothom coneix Sledgehammer i el seu excepcional videoclip. No hi ha cap concepte embriagador, només pura diversió i una revisió brillant de l'ànima de Motown. Segons el teu estat d'ànim per escoltar-lo, Tan et deixarà carregat o gastat. Sigui com sigui, és una bona sensació. — Cat Blackard (2010)
81. Adele - 21
El terme restabliment cultural es va fer servir excessivament en un moment determinat, però si s'aplica a qualsevol part d'aquesta conversa, és per a l'Adele. 21 . Malgrat els èxits existents de la cantant abans del llançament de l'àlbum, l'èxit dominant mundial de 21 Va ser una sorpresa, era tan rar com ho seria ara que un àlbum emotiu, de vegades fosc, blues i melangiós no només surti bé a les llistes, sinó que segueixi sent l'àlbum més venut durant dos anys consecutius. El LP té el crèdit d'haver ajudat a revitalitzar les vendes físiques d'una indústria que s'estava canviant a la transmissió en els primers gràfics de vendes en més de 30 països, està clar que 21 era una cosa que tots havíem de tenir a les nostres mans.
L'àlbum inclou el que ara es poden considerar dues de les cançons més reconeixibles del segle: Rolling in the Deep i Someone Like You. Dos extrems, pel que fa a la producció, però el que tenen en comú, de manera vital, és que la veu increïble d'Adele està al davant i al centre. Afegiu-hi l'agut Rumor Has It, el catàrtic Set Fire to the Rain i els punyents Turning Tables, i Adele va demostrar ser una compositora prou forta com per igualar la seva innegable veu. Les cançons immortalitzades a 21 són tan presents, tan urgents i humans, perquè Adele Adkins es va obrir el cor i ho va compartir tot amb nosaltres.
L'àlbum està embruixat, tant pels fantasmes d'un amor fracassat com pels records que semblen desaparèixer tan bon punt apareixen. Malgrat els detalls personals escampats a tot arreu 21 , és un àlbum desgarrador que té la capacitat de ser entès universalment. — Maria Siroky
80. Erykah Badu - beduïnisme
El títol de l'impecable àlbum debut d'Erykah Badu sona com si intentés iniciar un moviment. I en certa manera, ho era. Parlant amb Notícies de MTV , ho va concretar Badu beduïnisme va ser dissenyat per elevar-te. No és un brunzit passatger i artificial, sinó un viatge global de la ment i el jo que probablement mai podríem començar a imaginar, i no una religió... una experiència.
Això pot semblar més aviat hiperbòlic per a una col·lecció de cançons d'un artista que acabava de publicar el seu primer àlbum. Però Badu no promet el paradís ni la veritat divina, només una experiència. I beduïnisme és un embriagador. Un dels àlbums, si no el més venerat, del subgènere neo-soul, és indiscutiblement indicatiu de la seva època mentre encara se sent fresc. Des del tremolat tremolós de la bateria de Questlove a la melodramàtica Other Side of the Game fins als baixos del desafiant Certament, els sons i Badu es recolzen molt bé.
També s'ofereix suport a l'oient. Badu és una escriptora massa bona per alimentar amb cullera el seu missatge. Les seves lluites i com les relaciona són molt comprensibles sense caure en tòpics buits i genèrics. No tots els sentiments es resolen al final, però beduïnisme fa que el viatge cap a les respostes a les preguntes més grans de la vida és tan important com les respostes en si. — M.K.
79. La policia – Sincronicitat
Per a qualsevol grup que es pregunti com fer una sortida, no busqueu més Sincronicitat . L'últim àlbum grupal de The Police va sortir el 1983 i, d'alguna manera, va marcar el començament del so de la dècada. La gran dependència de l'àlbum del sintetitzador va mostrar al món el futur, ja que el grup va crear música tan gran com la seva reputació. Cada respiració que prens. Envoltat al teu dit. Rei del dolor. Sincronicitat II. Són cançons fetes per a estadis que prefiguraven el futur de Sting.
En lloc de limitar-se al seu llibre de jocs de reggae, jazz i punk, Sincronicitat troba el grup creant el seu propi camí i dient a tots els altres que vinguin si poden. És un moviment atrevit per a la banda més gran del món no només acabar amb la seva carrera mentre està dalt de la muntanya, sinó canviar tot el que la gent sabia sobre ells en el procés.
L'únic motiu pel qual va funcionar és perquè la música era, i encara és, innegable. És curiós com un grup que va començar com a part de la nova onada i l'escena punk britànica es va convertir en sinònim de música pop. Les lletres no són més accessibles del normal, els temes no són més lleugers (consulta Every Breath...) i la producció no és menys complicada. No obstant això, d'alguna manera, Sincronicitat només sembla que hagués estat fet per a MTV.
La veu de Sting també mostra més profunditat aquí, gairebé com si estigués escalfant la seva carrera en solitari. Aquest no estava previst com l'últim àlbum del grup, però el líder, juntament amb una sèrie d'altres factors de la vida que van impedir l'harmonia del grup, ho van fer així. En la ment de Sting, aquest àlbum era el seu cim i no hi havia manera de superar-lo mai. No per res, però tenia raó. — Marcus Shorter
78. Billy Joel – El foraster
Amb una bona quantitat de freqüència, podeu trobar la cançó que defineix un artista al seu millor àlbum. Però aquest no és el cas del Piano Man, Billy Joel. Aquesta cançó va aparèixer al seu segon LP, que va seguir amb un parell de discos que van tenir un rendiment tan baix que Columbia va amenaçar-lo amb deixar-lo caure. Potser aquest perill li va donar a Joel una actitud que va ser tan inflexible que la seva nova banda de gira enregistrés amb ell en el seu proper àlbum que quan la seva primera opció de productor, George Martin, va voler utilitzar músics d'estudi, Joel el va rebutjar.
I aquest va resultar ser el moviment correcte. Amb el productor Phil Ramone, Joel i la seva banda es van unir El foraster , que és la millor col·lecció de temes de la carrera del hitmaker. Les escenes d'un restaurant italià s'han convertit en tan singulars com Piano Man, tot i que mai s'han publicat com a single. Just the Way You Are es va emportar a casa Grammy Record i Song of the Year, Movin' Out (Anthony's Song) és un clàssic certificat de la rebel·lió dels somnis nord-americans, i Only the Good Die Young continua sent tan ple de cites d'enviament de l'anuari com ho va fer quan Els grups cristians van exigir que fos prohibit a la ràdio.
Potser no hi ha una icona pop més divisoria a la música, però us desafio a escoltar Viena o She's Always a Woman i dir que Joel no estava a l'altura dels seus poders. El foraster . — B. Kaye
77. JAY-Z – L'àlbum negre
Atureu-nos si heu sentit això abans: JAY-Z es retirava. Els devots del hip-hop saben que Shawn Carter's sempre havia tingut una sortida en ment des del seu primer àlbum el 1996. Però, com diu ell al 2003 L'àlbum negre , l'atractiu del joc era massa per ignorar-lo.
Durant la major part dels set anys entre '96-'03, va ser una de les figures dominants del gènere. Fins i tot en el seu darrer disc, aquesta gana competitiva encara és palpable. PSA, Què més puc dir, Amenaces i 99 problemes mostren la seva destresa lírica afinada. El 4 de desembre i Moment of Clarity ofereixen coneixements personals i professionals (la veritat, vull rimar com Common Sense/ però vaig fer 5 mil, des de llavors no he rimat com Common), mentre que Change Clothes i Dirt Off Your Shoulder il·lustren una evolució en fent rècords d'èxit.
Change Clothes no és una cançó que Jay pogués fer al '98 o al '99. Només el contingut mostra com va créixer personalment des dels temps de Big Pimpin. Malgrat els murmuris de superficialitat en aquell moment, els que realment escoltaven van traçar els canvis de Jay al llarg de la seva carrera, amb El Àlbum negre sent el cim d'aquesta metamorfosi. Per descomptat, hem tingut més àlbums des d'aleshores i probablement en tindrem un més quan acabis de llegir això. Però l'any 2003, quan un grup més jove de rapers liderats per 50 Cent estava fent onades i Jay complia les seves obligacions contractuals amb Def Jam mentre acabava la narrativa de la seva carrera, realment era el moment perfecte per acomiadar-se. — M. Més curt
76. Els Smith - La reina és morta
Si encara no ho sabiaves, Morrissey va inventar estar trist. D'acord, no realment. Però l'home nascut Steven Patrick Morrissey i la seva colla d'homes de classe treballadora de les parts més ombrívoles i grises de Manchester, anomenats The Smiths, van conrear durant molt de temps una marca tan específica d'estar trist i sol amb la seva música que és gairebé impossible recordar que el dolor existia. abans La reina és morta .
La combinació de les lletres ironides i enginyoses de Morrissey sobre l'amor (i també l'absència eterna d'aquest), la sensació d'una solitud inacabable però la manca de ganes de rectificar-ho mai i el toc de guitarra característic de Johnny Marr fan d'aquest disc un clàssic perdurable. L'escriptura de cançons, sempre melòdica amb la veu de baríton reconeixible a l'instant de Morrissey, és intel·ligent i fosca, lamentable i autocrítica, una cosa que tots els lletristas posteriors a Morrissey han intentat i no han aconseguit emular.
Moz crida als crítics de la banda a The Boy with the Thorn in His Side i Cemetry Gates, mentre que Never Had No One Ever i I Know It's Over són odes nihilistes a la solitud perpètua. Després, per descomptat, ve la joia de la corona de l'àlbum: There Is a Light That Never Goes Out, on Morrissey s'atreveix a experimentar amb un estrany enfocament optimista de l'amor, però que, inevitablement, encara acaba en la mort.
Tot i així, és l'himne romàntic definitiu: I si un autobús de dos pisos/ xoca contra nosaltres/ Morir al teu costat/ És una manera tan celestial de morir. No somiem tots amb un amor tan global que preferim ser atropellats per un autobús en lloc de continuar vivint sense ells?